Рейтинг: 4,50 / 2В конце XIX века император Александр III стал приобретать картины русских живописцев, чтобы создать национальный Русский музей. Его сын, император Николай II, осуществил этот замысел. Он купил Михайловский дворец и в 1898 году открыл его для посетителей в качестве первого публичного музея русского искусства. Первоначально собрание носило имя Александра III, а после Октябрьской революции было переименовано в «Русский музей». Туда были переданы тысячи произведений искусства, конфискованные из частных коллекций. В 1930-е годы музей расширился, заняв дворцовый флигель Росси, а позже – и корпус Бенуа у канала Грибоедова.
Содержание статьи
Общие сведения о Русском музее
Государственный Русский музей в Санкт-Петербурге содержит одну из самых больших в мире коллекций российского искусства (второе собрание такого же масштаба находится в Третьяковской галерее в Москве). В нём находится более 400 тысяч экспонатов, от средневековых икон до произведений современного концептуального искусства. Представленные в музее работы прекрасно отражают российскую историю. По ним можно проследить исторический путь России от Петра Великого, разрушившего старый московский уклад, до официально утверждённого стиля последних представителей династии Романовых.
Внутренний интерьер
Также в музее обширно представлено развитие живописи от передвижников, символизма и футуризма до сталинского искусства (так называемого «социалистического реализма») и произведений постсоветского периода. Почти всё, что в советские годы хранили под замком, сейчас доступно для обозрения. Однако бывают периоды, когда музею не хватает средств, поэтому он вынужден зарабатывать деньги, посылая многие из своих шедевров (в основном, произведения русского авангарда) на зарубежные выставки. Таким образом, иногда посетители музея лишены возможности видеть некоторую часть экспозиции.
Статуя «Русский Сцевола»
Но всё же большая часть авангардных работ представлена в основной экспозиции, а другие можно увидеть на временных выставках в корпусе Бенуа. В жизни музея происходят и положительные события. Так, за последние годы он приобрёл три новых здания: Мраморный дворец, Инженерный замок и Строгановский дворец. Благодаря этому появилась возможность выставить больше полотен XVIII века, а также тысячи произведений русского декоративно-прикладного искусства, которые прежде приходилось держать в запасниках из-за недостатка выставочных площадей.
Посещение Русского музея
Музей расположен на площади Искусств, рядом с Невским проспектом, возле станций метро «Гостиный Двор» и «Невский проспект». Он открыт с 10.00 до 18.00, в понедельник – до 17.00, во вторник – закрыт. Большие очереди – редкость, но если в музее оказывается слишком много посетителей, то им приходится некоторое время ждать у входа. Пройдя через главные ворота, поверните направо через двор к восточной стороне главного портика и спуститесь вниз, в цокольный этаж, где продаются билеты (взрослый билет стоит 8 $, детский – 4 $, разрешение на фотосъёмку – 1,60 $).
Живопись и скульптуры
Обязательно сразу возьмите план залов музея, так как его нет наверху – ни в магазинах, ни в информационных пунктах. Гардеробы, туалеты и недорогое кафе также расположены в цокольном этаже. Сверху, в главном вестибюле Михайловского дворца, расположены два информационных пункта. Здесь можно заказать экскурсию или просто бесплатно «пристроиться» к какой-нибудь группе, чтобы услышать пояснения экскурсовода. Большинство посетителей предпочитают брать напрокат аудиогиды в киоске вестибюля (8 $, в качестве залога нужно оставить паспорт). Однако по Русскому музею вполне можно побродить и самостоятельно.
В музейном магазине продаются репродукции, сувениры, а также книги и DVD, посвящённые живописи. К сожалению, эти издания практически не содержат информации о художниках, а также о том, в каком зале музея висит та или иная картина. Заплатив минимальный взнос 100 $, можно вступить в общество Друзей Русского музея и получить право на свободный вход. Пожертвовав картинной галерее более значительную сумму, вы сможете пользоваться и другими привилегиями. Те, кто приобретает золотую карточку дарителя, получают приглашения на музейные мероприятия, в которых участвуют знаменитости, например М. Ростропович и даже В. Путин.
Согнутые скульптуры
Официальный сайт Русского музея не так удобен для пользователей, как сайт Эрмитажа. Но на сайте можно узнать о текущих и планируемых выставках в корпусе Бенуа. Эти выставки широко рекламируются в средствах массовой информации. Чтобы попасть на данные выставки, требуется приобрести отдельный билет (8 $), который продаётся у входа в корпус Бенуа со стороны канала Грибоедова. Эта глава посвящена постоянной экспозиции. Произведения расположены в более или менее хронологическом порядке, сверху вниз – начиная со второго этажа дворца на первый, затем во флигель Росси, и, наконец, – вверх, на второй этаж корпуса Бенуа.
Маршрут несколько запутанный, поэтому некоторые посетители начинают осмотр с залов Васнецова и Репина на первом этаже дворца, затем проходят через корпус Бенуа и крыло Росси, оставляя раннее русское искусство напоследок (если останутся силы и время). Некоторые произведения искусства экспонируются на выставках в других музеях. Кроме того, Русский музей постепенно реорганизуется, поэтому могут быть некоторые отличия между приведённым ниже описанием и тем состоянием, которое вы застанете во время посещения.
Картина «Медный змий»
Михайловский дворец (второй этаж)
Осмотр работ второго этажа в хронологическом порядке начните с зала напротив часовой стрелки. Таким образом, вы сможете проследить гигантский скачок от ранней иконописи к искусству XVIII и XIX веков. Если вас интересует только живопись нового времени, то вы можете просто не посещать этот этаж. Однако стоит всё-таки увидеть старинные иконы (залы 1-4) или такие знаменитые полотна как «Последний день Помпеи» и «Девятый вал» (зал 14).
Русские иконы
На протяжении многих столетий русское изобразительное искусство имело исключительно религиозную тематику. Старые мастера писали только иконы, создавали мозаики и фрески религиозного содержания. В древности иконы писали только монахи, для которых это занятие было частью служения Богу. Когда изображения со временем темнели, их поновляли, нанося новые слои краски. Часто на иконы накладывали золотые оклады, иногда украшенные драгоценными камнями. Стиль и тематика икон были продиктованы канонами византийского искусства.
Музейные иконы
Мастера владимирской и суздальской школ бережно хранили эти традиции. Однако в Новгороде начиная с XII века стали писать по-другому: более ярко и чётко. Таким образом, сформировался свой собственный, русский, стиль иконописи, который впоследствии оказал существенное влияние на все русское искусство, и даже на работы такого «иностранного» живописца как Феофан Грек. В XVII веке произошёл раскол русской православной церкви между последователями реформ патриарха Никона и сторонниками протопопа Аввакума, выступавшими за сохранение старых традиций. Оба лидера нетерпимо относились к любым нововведениям в иконописи.
Современная Иконопись
По иронии судьбы, этот церковный конфликт привёл к постепенной секуляризации искусства. При Алексее Михайловиче появился такой вид живописи как парсуна. Парсуны изображали не святых, а обычных людей и были, по сути дела, промежуточным звеном между иконами и реалистическими портретами. В этот период художники начали писать не только на традиционных досках, но и на холстах. И хотя в России вплоть до революции 1917 года создавалось множество икон, но расцвет церковного искусства остался в далёком прошлом, так как лучшие живописцы создавали светские произведения.
Одно из самых древних творений в зале 2 – это маленькая икона начала XII века «Ангел с золотыми волосами». Первоначально она была частью деисуса, главного ряда иконостаса, в центре которого находится икона «Христос во славе». В зале 2 помещается икона XIV века «Борис и Глеб», изображающая молодых киевских князей, убитых их старшим братом Святополком, а также «Анастасис» – драматическая композиция, выполненная в чёрных и красных тонах. Это произведение представляет псковскую школу иконописи и датируется XIV-XVI веками.
Древняя Иконопись
В зале 3 выставлены работы знаменитых мастеров. Монахи Андрей Рублёв (примерно 1360-1430 годы) и Даниил Чёрный написали фигуры святых апостолов Петра и Павла двухметровой высоты. Первоначально эти иконы составляли часть иконостаса Успенского собора во Владимире. Духовным преемником этих мастеров был иконописец Дионисий. Его работы «Архангел Гавриил» и «Иоанн Креститель» выставлены в том же зале. Большая часть икон, находящихся в зале 4, происходит из монастырей российского севера. «Вознесение» и «Богоматерь Одигитрия» были частью убранства тверской Преображенской церкви. В зале представлены и образцы московской школы иконописи XVII века. Для неё характерна прорисовка мелких деталей и преобладание красного и золотого цветов.
Искусство петровского времени
Русская живопись XVIII века намного уступает европейским произведениям того же периода, однако представляет значительный интерес с исторической точки зрения. Царствование Петра I стало поворотной эпохой в развитии русского искусства. Во время своего знаменитого путешествия по Европе в 1697 году царь активно скупал картины. Таким образом, он положил начало коллекционированию, которое затем стало увлечением многих русских царей. Пётр хотел сделать Санкт-Петербург новым художественным центром России, поэтому перенёс туда государственную иконописную мастерскую из Оружейной палаты Московского Кремля.
«Пётр I на смертном ложе»
Однако царь не стремился продолжать древнерусские живописные традиции, а пытался привить на российской почве западное искусство. По приглашению Петра в Россию приезжали многие зарубежные художники. Некоторые из них, в частности Готфрид Танхауэр, остались в Петербурге. Многие искусствоведы считают, что именно этот художник написал портрет Петра I на смертном ложе и портрет молодой Елизаветы Петровны (обе картины висят в зале 5). Однако Русский музей приписывает данные картины кисти Ивана Никитина (1680-1742 годы).
Мастер прекрасно освоил европейскую технику письма. В этом можно убедиться, посмотрев на выполненные им портреты гетмана и царевны Прасковьи Иоанновны. И. Никитин был в числе молодых российских живописцев, которых Пётр послал обучаться за рубеж. Такая политика царя, как известно, оказала существенное длительное влияние на российское искусство и другие сферы жизни. Однако сам Никитин стал жертвой интриг и был отправлен в ссылку в Тобольск. Ещё один талантливый живописец, получивший образование за рубежом, – Андрей Матвеев (1701-1739 годы). К сожалению, из всех его работ сохранился только неоконченный автопортрет с женой (зал 6).
«Молодая Елизавета Петровна»
Искусство при Елизавете Петровне и Екатерине II
Пётр хотел основать в Петербурге Академию художеств, однако этот план был осуществлён только при Елизавете, и в 1757 году вышел указ Сената об учреждении Академии. В первые годы она считалась отделением Московского университета. В зале 6 представлены портреты Елизаветы кисти придворного живописца Ивана Вишнякова (1699-1761 годы), работы Ивана Аргунова (1729-1802 годы), который был крепостным художником графа Шереметева, и произведения Алексея Антропова (1716-1795 годы), служившего при дворе Екатерины Великой.
Наиболее известная картина Антропова – портрет Петра III, нелюбимого мужа Екатерины. На этом полотне узкая фигура и маленькая голова царя теряются на фоне множества деталей заднего плана. В этом же зале находятся мозаичный портрет Петра и Екатерины и бюст Александра Меншикова работы Ивана Витали. Задержитесь в зале 7, чтобы полюбоваться золоченым потолком, а также бронзовой статуей императрицы Анны работы итальянского скульптора и архитектора Бартоломео Растрелли. Эта статуя известна под названием «Императрица Анна Иоанновна с арапчонком».
Портрет Петра III
Зал 8 посвящён преимущественно творчеству талантливого портретиста Фёдора Рокотова (1736-1808 годы), который в своих произведениях уделял основное внимание характеру людей. Посмотрите также на портрет Петра III кисти неизвестного живописца. Монарх изображён в красной мантии и зелёном кушаке. В зале 9 представлены работы украинского художника Антона Лосенко (1737-1773 годы). Его картина «Святой Владимир и Рогнеда» – первое большое отечественное полотно на русский исторический сюжет. Другие его произведения посвящены более традиционным библейским сюжетам. В этом же зале стоит бронзовая скульптура Прометея работы Фёдора Гордеева.
В центре зала 10 вы увидите статую «Екатерина II – законодательница» в натуральную величину работы первого выдающегося русского скульптора Фёдора Шубина (1740-1805 годы). Екатерина II и князь Потёмкин были горячими поклонниками его работ в стиле рококо. На стенах зала развешены полотна Дмитрия Левицкого (1735-1822 годы). Этот художник за всю свою долгую жизнь никогда не выезжал за пределы Российской империи. Поэтому его можно считать первым живописцем, талант которого сформировался и расцвёл на отечественной почве. В 1770 году Левицкий буквально ошеломил Академию художеств, выставив сразу более 20 великолепных произведений, в том числе портрет архитектора Кокоринова. Однако более известные его работы – это серия портретов учениц Смольного института благородных девиц.
«Екатерина II – законодательница»
Изящный декор Белого зала (11) – замечательный образчик классицизма. Белые, золотые и розовато-серые детали создают неповторимое сочетание. Весь дизайн Белого зала, в том числе отделка мебели, был выполнен дворцовым архитектором Карло Росси. В работе над декором ему помогал известный портретист конца XVIII века Владимир Боровиковский (1757-1825 годы). В зале номер 12 представлено полотно этого живописца «Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке». На картине стареющая императрица играет с собакой. Там же висит его портрет императора Павла. Фигура монарха теряется на фоне пышных драпировок и роскошных одежд.
Романтизм и академический стиль
Представителем романтизма в русском искусстве был Орест Кипренский (1782-1836 годы). Судьба этого человека сложилась непросто. Незаконнорожденный сын дворянина и крепостной, он сильно пил и умер от туберкулёза в Риме. Лучшая из его ранних работ (зал 13) – это портрет Евграфа Давыдова, молодого гусарского офицера, который вскоре после написания портрета потерял в бою руку и ногу. Вторжение Наполеона в Россию в 1812 году и последующий триумфальный вход русских войск в Париж оказали большое влияние на живопись. Художники обратились к классицизму и патриотической тематике. Сформировавшийся при этом академический стиль стал господствующим на несколько десятилетий.
«Последний день Помпеи»
В зале 14 висят монументальные полотна, в том числе две композиции, написанные Григорием Угрюмовым (1764-1823 годы) для Михайловского дворца: «Взятие Казани» и «Призвание Михаила Фёдоровича на царство». Невозможно пройти равнодушно мимо картины Карла Брюллова (1799-1852 годы) «Последний день Помпеи». Эта трагическая композиция была создана художником в Риме. Благодаря ей Брюллов стал первым живописцем российской Академии художеств, получившим международное признание.
Итальянские критики высоко оценили полотно, а в 1834 году оно получило гран-при на выставке в Париже. Сэр Вальтер Скотт просидел перед картиной Брюллова целый час, а потом сказал, что это не картина, а эпос (хотя злые языки утверждали, будто В. Скотт сидел перед картиной не потому, что сильно увлёкся, а просто оттого, что был стар и захотел передохнуть). Многие считают, что картина «Последний день Помпеи» была написана в качестве аллегории наводнения, произошедшего в Санкт-Петербурге за несколько лет до этого.
Картины Айвазовского
Ещё одна знаменитая картина, выставленная в зале 14, – «Девятый вал». На картине – моряки, борющиеся со стихией. Существует мнение, что это полотно явилось предсказанием падения династии Романовых. Его создатель Иван Айвазовский (1817-1900 годы) посвятил своё творчество морским пейзажам и видам Константинополя (нынешний Стамбул) и Крыма. Айвазовский писал картины не с натуры, а по памяти, у себя в студии, так как считал, что движение живых элементов ускользает от кисти. За свою долгую жизнь он написал невероятное количество картин (около 4-5 тысяч) и завоевал международную известность.
Третьим из русских художников, получившим признание не только у себя на родине, но и за рубежом, был Александр Иванов (1806-1858 годы). Великолепное мастерство принесло ему Золотую медаль, а также стипендию для обучения в Италии, где он и провёл большую часть жизни. После картины «Явление Христа святой Магдалине» его избрали членом Академии. Но он не был этому рад. В письме к отцу художник писал, что пожизненное жалованье 6-8 тысяч рублей и спокойное место в Академии – эго не благословение, а проклятие для художника. «Явление Христа святой Магдалине», а также картину «Иосиф, толкующий сны заключённым с ним в темнице» вы можете увидеть в зале 15.
Картины Иванова
Главное полотно художника «Явление Христа народу» находится не здесь, а в Третьяковской галерее Москвы. Из-за репрессивной политики Александра I и Николая I многие российские художники тех времён предпочитали жить за рубежом, где могли творить более свободно. В Риме сложилось сообщество русских живописцев, в которое входили А. Иванов, К. Брюллов и Сильвестр Щедрин (1791-1830 годы). Итальянские пейзажи С. Щедрина вывешены в отдельном небольшом коридоре (зал 16). Зал 17, а также несколько последующих залов первого этажа посвящены пейзажной и жанровой живописи.
Михайловский дворец (первый этаж)
Пройдя по залам первого этажа, можно проследить, как русское изобразительное искусство постепенно выходило за рамки традиционных академических форм. Здесь представлены картины, написанные до конца XIX века, включая картины И. Репина и В. Васнецова. Работы более поздних периодов составляют экспозицию флигеля Росси. Если вы хотите начать осмотр непосредственно с картин Репина, то можете сразу же, спустившись с лестницы, пройти в зал 38. Однако стоит взглянуть также на грандиозные академические картины, выставленные в зале 21.
Николаю I Императору Всероссийскому
Жанровая и пейзажная живопись
Художники, работавшие по государственным заказам, как правило, создавали монументальные полотна в академическом стиле. Однако у знатных и богатых людей XVIII-XIX веков постепенно развился вкус и к жанровой живописи. Первыми российскими живописцами, работавшими в этом жанре, были Алексей Венецианов (1780-1847 годы) и его ученик Григорий Сорока (1823-1864 годы). Их произведения находятся в зале 17 на втором этаже. Спустившись на первый этаж, можно продолжить осмотр произведений жанровой живописи.
В зале 18 выставлены картины кисти Павла Федотова (1815-1852 годы), в том числе его лучшая картина «Сватовство майора». Там же выставлена модель памятника Николаю I, стоящего возле Исаакиевского собора, работы Клодта. В зале 19 представлены портреты кисти Василия Тропинина (1770-1857 годы). Большинство картин, созданных на заказ в XIX веке, написаны на мифологические сюжеты или посвящены различным историческим событиям (залы 20 и 21). Такие грандиозные полотна как «Христианские мученики в Колизее» Константина Флавицкого (1830-1866 годы) или «Смерть Нерона» Василия Смирнова (1858-1890 годы), щекотали нервы любителей ужасов.
«Фрина на празднике Посейдона»
А Генрих Семирадский (1843-1902 годы) писал картины на мифологические сюжеты, к примеру полотно «Фрина на празднике Посейдона в Элевзине». В зале 23 продолжается экспозиция жанровой живописи. Там вы увидите сентиментальную картину Леонида Соломаткина (1837-1883 годы), на которой изображены полицейские, поющие псалмы, комическую сценку С.И. Грибкова «Ссора Ивана Ивановича с Иваном Никифоровичем», а также портрет писателя Ивана Тургенева кисти Василия Перова (1834-1882 годы). Перов был сыном ссыльного, на раннем этапе творческого пути писал жанровые картины, обличающие тёмные стороны жизни народа. Неудивительно, что некоторые его работы были запрещены царским правительством.
Иногда музей выставляет в экспозицию картину Перова «Монастырская трапеза», на которой изображены пирующие монахи, которым нет дела до нищего, просящего милостыню. Зал 24 посвящён преимущественно пейзажам Алексея Саврасова (1830-1897 годы), которого часто называют «отцом русской пейзажной живописи». Его ученик Исаак Левитан достиг в этом жанре ещё больших высот. Самая известная картина Саврасова «Грачи прилетели» находится в Третьяковской галерее. Но в Русском музее картины этого художника тоже хорошо представлены. Вы можете увидеть «Закат над болотом» и другие его картины.
Картина «Монастырская трапеза»
Передвижники
В 1863 году 14 наиболее талантливых учеников Академии художеств отказались рисовать картины на мифологические темы, предложенные экзаменаторами, и уехали из Санкт-Петербурга. Они организовали художественное объединение, которое стало основой «Товарищества передвижных художественных выставок». Художники избегали цензуры, выставляя свои произведения на «передвижных» выставках в провинции. Большинство передвижников симпатизировало движению народников.
Глава передвижников Иван Крамской (1837-1887 годы) дал клятву создать истинно русскую школу живописи. Самое известное произведение этого художника «Христос в пустыне» находится в Третьяковской галерее. Портреты кисти Крамского, вывешенные в зале 25, мало отличаются по стилю от западноевропейских картин того времени, однако они примечательны благодаря особенному взгляду портретируемых. В этом же зале находится прелестная статуя маленького ребёнка, делающего первые шаги, работы Фёдора Камонского.
Картина «Тайная вечеря»
Зал 26 посвящён творчеству Николая Ге. Художник был талантливым внуком французского эмигранта и при выборе профессии долго колебался между математикой и живописью. Наконец золотая медаль Академии художеств и стипендия для творческой поездки за рубеж склонили чашу весов в сторону изобразительного искусства. Он стал одним из основателей объединения передвижников и вскоре под влиянием Иванова перешёл от пейзажной живописи к религиозным сюжетам.
Две лучшие работы Николая Ге, «Выход Христа в Гефсиманский сад» и «Тайная вечеря», входят в экспозицию Русского музея. «Тайная вечеря» отходит от классической иконографии, поэтому в своё время подверглась резкой критике специалистов. Наибольшую известность в России принесла художнику картина «Пётр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе». Как известно, потом царевич был убит с согласия Петра. Передвижники находились в поиске, а пейзажисты в то же самое время неуклонно продвигались вперёд по пути, проложенному Саврасовым.
Картина «Корабельная роща»
В зале 27 висят картины Ивана Шишкина (1832-1898 годы) «Дубы», «Лесная глушь» и «Корабельная роща». Эти полотна великолепно прорисованы до мельчайших деталей, но, по мнению некоторых критиков, лишены чувства места. Такое обвинение было бы совершенно невозможно отнести к зимним русским пейзажам Фёдора Васильева (1850-1873 годы), которые размещены в зале 28. Художник нарисовал унылый пейзаж «Оттепель» в тот год, когда серьёзно заболел туберкулёзом. А картина «Вид на Волге», написанная годом раньше, дышит свежестью.
Картина «На войну»
В зале 29 позади главной лестницы установлены два компьютера. Они обеспечивают возможность доступа к музейному сайту. Зал 30 представляет искусство народников, которое имеет острую социальную направленность. Такие названия картин как «Осуждённый» Владимира Маковского (1846-1920 годы) говорят сами за себя. Обратите внимание также на работу Фирса Журавлёва (1836-1901 годы) «Перед венцом». Плачущая невеста и растерянные родители наводят на мысль о союзе без любви. В зале 31 доминирует полотно Константина Савицкого «На войну». Там изображено горькое прощание на станции. А «Косцы» Григория Мясоедова (1834-1911 годы), одного из основоположников школы передвижников, излучают оптимизм.
Именно такой положительный настрой позже стал характерной особенностью социалистического реализма. Пройдя мимо статуй хитрого Мефистофеля, Спинозы и летописца Нестора работы Михаила Антокольского (1842-1902 годы), вы окажетесь рядом с большими полотнами Василия Поленова (1844-1927 годы; зал 32). На его картине «Христос и грешница» смирение Христа контрастирует со злобным благочестием священников, которые приговорили забить женщину камнями насмерть. Картина выражает симпатию к осуждённой и презрение к тем людям, которые считают себя непогрешимыми. Эта картина по духу перекликается с взглядами на христианство Ф.М. Достоевского.
Картина «Заседание Госсовета»
Репинские залы
Илья Репин (1844-1930 годы) был одним из последних передвижников, лучший реалист своего поколения. В юности он работал в иконописной мастерской, а затем поступил в Академию художеств. Будучи студентом, он получил премию Академии за картину «Воскрешение дочери Иаира», которую вы видите в зале 33. В том же 33 зале висит картина, на которой изображена сцена из сказки «Садко», а также произведение, которое принесло Репину широкую известность, – «Бурлаки на Волге». Эта картина отражает размышления художника о том, как тяжёлая и однообразная физическая работа ведёт к деградации человека. Полотно стало иконой движения народников, а в последующие годы вошло в арсенал ленинской революционной пропаганды.
В зале 34 вы увидите портреты композиторов А. Рубинштейна и А. Глазунова, а также работу И. Репина на исторический сюжет «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». Эта замечательная, полная юмора композиция показывает, как казаки сочиняют ответ на ультиматум султана Мохаммеда IV. На создание этой картины с множеством остроумных, великолепно прорисованных деталей у художника ушло целых 12 лет работы. Он писал её в своём доме-мастерской в Карелии. В зале 35 висит портрет Л.Н. Толстого. Репин изобразил писателя босым, в крестьянской одежде. Рядом размещены большие картины на совершенно другие сюжеты.
Картина «Запорожцы»
Полотно «Проводы новобранца» выполнено в той же мрачной манере, что и картина К. Савицкого «На войну». На картине «17 октября 1905 года» показана толпа, празднующая царский манифест о созыве Государственной думы. Наконец, в зале 54 (рядом с отделом Сурикова) висит репинское полотно «Заседание Государственного совета». При создании этой огромной картины художнику пришлось предварительно сделать множество набросков, некоторые из которых выставлены в том же зале. Члены Совета написаны как живые, а Николай II изображён лишь в виде маленькой незначительной фигурки в Большом зале Мариинского дворца.
Суриков и Васнецов
В 1880-е годы в русской исторической живописи начал проявляться славянский мистицизм. Лидером этого направления был Василий Суриков (1846-1916 годы), родившийся в Сибири. Он получил образование в Академии художеств. На его творчество оказала большое влияние живопись А. Иванова. Главная работа Сурикова «Утро стрелецкой казни» находится в Москве в Третьяковской галерее. Наиболее известная из картин Сурикова, хранящихся в Русском музее, – это «Покорение Сибири Ермаком Тимофеевичем». Полотно изображает казаков, переправляющихся через реку Иртыш и сразу же вступающих в бой с татарскими ордами в 1595 году.
Картина «Покорение Сибири»
После смерти жены Суриков уехал на родину, в Сибирь. Но в 1891 году возобновил свою карьеру, написав весёлую композицию «Взятие снежного городка». Ещё более динамичная картина – «Переход Суворова через Альпы». В зале 37 висит колоссальное полотно Сурикова «Степан Разин». Творчество Виктора Васнецова (1846-1926 годы) представлено в зале 38. Живописец был сыном священника. По окончании семинарии он нанялся на работу к литографу, а затем получил место в Академии художеств. Древнерусская тематика, мифы и легенды вдохновляли художника на создание таких драматических полотен как «Бой скифов со славянами» и «Витязь на распутье». Однако Васнецов писал картины и на современные ему темы, например «Балаганы в Париже».
Флигель Росси
Экспозиция продолжается на первом этаже, во флигеле Росси, за залом В. Сурикова и репинским полотном «Заседание Государственного совета». Временные выставки печатной продукции или текстиля в коридоре (зал 49), параллельном анфиладе, а также множество бюстов, слепков и моделей скульптур в залах 56-58 могут отвлечь ваше внимание, но лучше продолжить осмотр основной экспозиции картин. В зале 39 представлены произведения в стиле этнографической живописи. Их тематика не ограничивается Святой Землёй.
«Перенесение священного ковра»
Художники уделяли внимание также Средней Азии, Кавказу и Балканам. Ведущим живописцем этого направления стал Василий Верещагин (1842-1904 годы). Большую известность получила его картина «У дверей мечети», а также антивоенные полотна, проникнутые духом антимилитаризма. На картине «Скобелев под Шипкой» русский генерал, принимающий приветствие войск, изображён на втором плане, а на переднем плане на снегу – убитые солдаты. Залы 40 и 41 посвящены работам Архипа Куинджи (1841-1910 годы).
В своём творчестве Архип Куинджи отошёл от передвижников. В его потрясающих пейзажах цвет используется как символический элемент. Этот приём был доведён до крайних форм учеником Куинджи Н. Рерихом. Ещё одна работа на восточную тему – это «Перенесение священного ковра в Каире» кисти Константина Маковского. Она находится в зале 42. На картинах Аполлинария Васнецова (брата Виктора) и Клавдия Лебедева мы видим сцены из жизни допетровской Москвы XVII века. Эти живописцы восхищались Древней Русью и считали разрушительным западное влияние, которое испытала страна во времена Петра I.
Картина «Озеро»
Древняя Русь – вот лейтмотив полотен, помещённых в залах 43 и 45. Последний зал посвящён творчеству Андрея Рябушкина (1861-1904 годы), самая известная картина которого «Едут» изображает московитов, нервно ожидающих приезда первых европейцев. Его «Московская улица XVII века» проникнута радостным духом деревянного города и нарядного Кремля. А картина «Семья купца XVII века» написана в архаической форме парсуны. Зал 44 посвящён Исааку Левитану (1860-1900 годы). Многие считают этого художника лучшим российским пейзажистом XIX века. Одни из самых известных его картин – это «Озеро» и «Лунная ночь».
Если же вам нравятся произведения с социальной направленностью, то посетите зал 46, где висят картины Николая Касаткина (1859-1930 годы), наглядно показывающие, насколько безысходна бедность. Экспозиция флигеля Росси завершается серией работ Филиппа Малявина (1869-1940 годы). До начала художественного творчества он был послушником русского монастыря на греческой горе Афон. Большинство произведений, представленных в зале 47, – это его импрессионистические портреты актёров, певцов и критиков.
«Чудо-юдо рыба-кит»
Композиции Малявина, написанные в зрелые годы, более свободны. На картине «Две девки», которая висит на дальней стене, изображены крестьянки с развевающимися платками и юбками. Это произведение несколько напоминает работы Гогена и Климта. В зале 48 расположен небольшой магазин. Отсюда можно пойти в двух направлениях. Повернув направо, пройдя по коридору мимо статуи Ермака и поднявшись в корпус Бенуа, вы продолжите осмотр живописи. Пойдя прямо, во флигель Росси, окажетесь среди произведений народного искусства.
Народное искусство
Этот отдел даёт представление о традиционном российском народном искусстве и ремёслах. Иногда открыты не все залы. Большинство экспонатов были частью повседневной жизни русских крестьян. В первом зале выставлены набойки, то есть печатные ткани, а также глазурованные изразцы, которыми часто украшали здания в XVII и XVIII веках. Из дерева в старину не только строили дома, но и изготовляли различные предметы обихода: от стиральных досок до маслобоек.
Предметы искусства
Часто деревянные изделия и фронтоны домов были украшены геометрическими узорами или языческой символикой. В следующих залах выставлены образцы продукции, которую до сих пор производят народные мастера. Это игрушки, кружево, керамика и лаковые изделия, а также огромное количество деревянных кружек и тарелок из Хохломы.
Корпус Бенуа
В корпусе Бенуа находится коллекция русского искусства конца XIX-ХХ веков. Постоянная экспозиция выставлена на втором этаже, а первый полностью отведён под временные выставки российского и мирового искусства. Некоторые из наиболее известных произведений российского авангарда, которые входят в постоянную экспозицию музея, часто «совершают турне» в другие музеи мира. Поэтому их может не оказаться на месте во время вашего посещения.
Картина «Демон летящий»
Чтобы попасть на второй этаж корпуса Бенуа из Михайловского дворца, нужно из зала 48 пройти по коридору на первый этаж флигеля Росси, а затем подняться по лестнице в зал 66. На первый этаж можно пройти только через вход в корпус Бенуа со стороны набережной Грибоедова. Там продаются билеты на временные выставки. Выставки работают в те же часы, что и сам Русский музей. У входа со стороны набережной можно приобрести и билеты для осмотра основной экспозиции.
Художники Абрамцева, «Мир искусства» и символизм
Зал 66 вводит вас в фантастический мир Михаила Врубеля (1856-1910 годы). Этот выдающийся живописец был одним из лидеров сообщества художников, обосновавшихся в Абрамцеве, загородном особняке московского миллионера С. Мамонтова. «Лихорадочные» полотна Врубеля с сочной текстурой оказали огромное влияние на российское искусство. Его интересовали народное искусство и фольклор, что выразилось в сказочной тематике ряда произведений, например картина-панно «Богатырь».
Картина «Арлекин и дама»
Картина «Демон летящий» принадлежит к серии, которую художник написал незадолго до болезни. Эта картина контрастирует со спокойным духом полотен Михаила Нестерова (1862- 1942 годы). М. Нестеров долгое время работал над темой гармонии человека, природы и православной веры. Его главными героями стали монахи и монахини отдалённых северных обителей. Нестеров работал над этой тематикой вплоть до 1920-х годов. Но религиозная тематика картин Нестерова не могла получить признания в советские годы, поэтому он был вынужден заниматься портретной живописью.
Художники петербургского объединения «Мир искусства», подобно абрамцевским живописцам, любили народное творчество, былины и сказки. Однако на это течение оказали влияние и французский маньеризм и придворная жизнь XVIII века. Характерными образцами живописи представителей «Мира искусств» могут служить «Арлекин и дама» Константина Сомова (1869-1939 годы) и «Комедия дель арте» Александра Бенуа (1870-1960 годы). Бенуа и Л. Бакст (1866-1924 годы) создавали костюмы и декорации для русского балета С. Дягилева.
Картина «Купчиха за чаем»
В зале 69 висят эскизы для дягилевских театральных постановок, а также картины Зинаиды Серебряковой (1884-1967 годы), феминистские произведения которой влияли на советское искусство вплоть до 1970-х годов. Валентин Серов (1865-1911 годы) многое почерпнул у живописцев абрамцевской школы и был одним из самых талантливых мастеров рисунка своего времени. В Русском музее его творчество представлено в основном портретами известных людей, в том числе князя Феликса и княгини Юсуповых, родителей убийцы Распутина.
Однако В. Серов был не только портретистом. Различные грани его таланта проявились и в пейзажной живописи, например зимний пейзаж с лачугой, и в картинах на историческую тему (зал 70), и в сценических набросках к опере «Юдифь» (зал 71). Ещё один член абрамцевского кружка, Константин Коровин (1861-1939 годы), был первым русским художником, обратившимся к импрессионизму (80-е годы XIX века). Позже, по предложению Дягилева, он разработал дизайн обложки первого номера журнала «Мир искусства».
Картины Коровина
В зале 72 представлены пейзажи К. Коровина с видами Парижа и Ялты, где он бывал, а также картины Игоря Грабаря (1871-1960 годы) и некоторые из ранних работ М. Ларионова. Пейзажист Константин Юон (1875-1958 годы) не принадлежал ни к какому художественному объединению. Его яркие панорамные народные сцены содержат подчёркнутые декоративные элементы. Эта тенденция в изобразительном искусстве была продолжена и усилена Борисом Кустодиевым (1878-1927 годы). В зале 73 висят наиболее известные его работы, в том числе портрет Ф. Шаляпина (копия) и картина «Купчиха за чаем». После революции Юон и Кустодиев приняли советскую власть и завоевали её признание.
Рерих, Борисов-Мусатов и группа «Голубая роза»
Первым русским художником-символистом был М. Врубель. Вдохновлённые его примером, в этом направлении стали работать многие живописцы. Николай Рерих (1874-1947 годы) страстно интересовался археологией и Востоком. Он использовал насыщенные цвета в картинах, посвящённых дохристианской истории Руси, в частности в своих работах «Князь Игорь и его дружина» и «Илья Муромец». Восточная тематика стала преобладать в творчестве Рериха после посещения Индии и трёхлетнего путешествия по Центральной Азии.
Картина «Илья Муромец»
В зале 74 выставлены работы Виктора Борисова-Мусатова (1870-1905 годы), в том числе его автопортрет. Последователи Борисова-Мусатова в московском Училище живописи, ваяния и зодчества получили название группа «Голубая роза». Так называлась их первая выставка, которая состоялась в 1907 году. Все эти художники увлекались голубым цветом (символизирующим духовность), фантазиями и упрощёнными формами.
Однако живопись каждого из них самобытна, представляет собой уникальный неповторимый мир. Павел Кузнецов (1878-1968 годы) воспевал киргизские степи, он создал знаменитую «степную сюиту». А творчество Мартироса Сарьяна (1880-1972 годы) впитало из культуры Востока философско-метафорические трактовки взаимоотношений человека и окружающего мира. В зале 75 висит много полотен Кузнецова и Сарьяна, а также картины других представителей этого художественного объединения.
Картина «На линии огня»
Петров-Водкин и объединение «Бубновый валет»
Кузьма Петров-Водкин (1878-1939 годы) первоначально принадлежал к символистам, но не входил ни в одно из художественных объединений, сложившихся в первое десятилетие XX века. Его теория композиции и пространственной организации холста оказали существенное влияние на советскую живопись. В зале 76 представлены его ранние работы, в частности «Мальчики», «На линии огня», «Автопортрет», а также картина «Мать», напоминающая лик Богородицы. Послереволюционные полотна Петрова-Водкина вы можете осмотреть в зале 83.
Следующие несколько залов посвящены художникам объединения «Бубновый валет», существовавшего с 1910 по 1916 год. В творчестве Аристарха Лентулова (1882-1943 годы) и Роберта Фалька (1886-1958 годы) чувствуется влияние Сезанна. Пейзажи, жанровые сцены и портреты Роберта Фалька находятся в зале 77. Там же помещаются картины Ильи Машкова (1881-1944 годы) и знаменитый портрет поэтессы Анны Ахматовой кисти Натана Альтмана (1889-1970 годы), а также его картина «Подсолнухи», в которой присутствуют элементы кубизма.
«На белом (Композиция № 224)»
Кандинский, Гончарова и Ларионов
В зале 79 представлены работы трёх выдающихся художников. Большая часть творческой жизни Василия Кандинского (1866-1944 годы) прошла в Мюнхене. Кандинский вместе с Францем Марком основали там художественное объединение «Синий всадник». Творчество этих художников стало последним вздохом европейского натурализма. Кандинский полагал, что искусство должно отображать не физический мир, а мир идей и чувств. Он считал, что каждый цвет затрагивает определённые струны человеческой души и заставляет их трепетать.
Эти взгляды оказали существенное влияние на многих художников, но творчество самого Кандинского было отвергнуто Институтом художественной культуры как «чересчур субъективное», после чего Кандинский вернулся в Россию. В Русском музее хранятся три серии его работ: «Впечатления», «Импровизации» и «Композиции», а также отдельные картины. Перед Первой мировой войной русское изобразительное искусство пребывало в возбуждении от таких течений как «Синий всадник» и кубизм.
Панно (тетраптих) «Евангелисты»
Наиболее выдающимися представителями направления, которое впоследствии стали называть «примитивизмом», были Наталья Гончарова (1881-1962 годы) и Михаил Ларионов (1881-1964 годы). Эти художники в 1911 году вышли из объединения «Бубновый валет» и основали новую группу – «Ослиный хвост». Гончарова утверждала, что всё искусство, за исключением российского, мертво или проникнуто духом декаданса, что Пикассо – фальшивка, а кубизм – старьё. Такие её работы как «Четыре евангелиста» и «Крестьяне», были написаны под влиянием народного искусства и иконописи.
А Ларионов увлекался импрессионизмом. Позже он основал новое художественное направление – лучизм. По его определению – это искусство «беспредметных образов линейных устремлений, вызывающих ощущение динамики». В том же зале висит одна картина грузинского художника Нико Пиросманашвили (1863-1918 годы), который создал свой собственный стиль примитивизма. Живописец был настолько беден, что часто не мог купить холст и рисовал на кусках дерева или брезента.
«Чёрный квадрат-круг-крест»
Футуризм
Некоторые люди приходят в Русский музей специально для того, чтобы посетить залы 80-82. Их экспозиция постоянно меняется, так как картины по очереди возят на выставки за рубеж. Однако, побывав в этой части музея, вы обязательно увидите картины известных русских футуристов. Словом «футуризм» называют множество художественных стилей и теорий, которые возникли в 1910-1920 годах. Творчество ранних футуристов, в частности Бурлюка и Маяковского, было направлено на то, чтобы эпатировать общество. Манифест этого художественного объединения назывался «Пощёчина общественному вкусу».
Творчество Казимира Малевича (1878-1935 годы) занимает особое место в истории русского искусства. Он является создателем «геометрического» варианта беспредметного искусства, которое он сам называл «супрематизмом», то есть «искусством чистых ощущений». В Русском музее собрано 136 работ Малевича различных периодов творчества. Здесь есть и такие геометрические композиции как «Чёрный круг» и картины в стиле супрематизма, например «Жёлтое и чёрное», и образные полотна, в частности «Красная кавалерия». Взгляните также на полотна Ольги Розановой (1886-1918 годы). Минимализм художницы позже был использован для керамических изделий и тканей массового производства (сейчас они стали предметом коллекционирования).
Картина «Супрематизм»
Соперником Малевича за лидерство в авангардном движении был Владимир Татлин (1885-1953 годы). В его ранних работах, например в картине «Матрос», чувствуется влияние примитивизма. Этот художник стал, одним из зачинателей особого течения абстрактного искусства, получившего название «конструктивизм». Этот стиль возник в значительной степени в результате сотрудничества Татлина с театральным режиссёром В.Э. Мейерхольдом и живописцами Любовью Поповой (1889-1924 годы) и Надеждой Удальцовой (1885-1961 годы).
Однако большинство концептуальных работ этой группы не нашло понимания. Планер Татлина «Летатлин» так никогда и не поднялся в воздух, а проект памятника III Интернационалу получил резко отрицательную оценку Ленина. По мысли автора, этот удивительный монумент должен был располагаться возле Петропавловской крепости, иметь высоту 396 метров и вращаться вокруг своей оси. Павел Филонов (1883-1943 годы) разработал систему «аналитического искусства», отражающего атомическую природу реальности.
Картина «Формула весны»
Путём наложения отдельных деталей друг на друга художник создавал такие калейдоскопические произведения как, например, «Живая голова». Картина «Цветовая композиция» Бориса Эндера (1893-1960 годы) выполнена в ярких красных тонах. Этот живописец стоял у истоков направления, которое впоследствии стало называться «абстрактный экспрессионизм». Интересны также работы Александра Родченко (1891-1956 годы). Он более известен как дизайнер керамики, одежды и мебели, а также изобретатель нового жанра – фотомонтажа.
Агитпроп и социалистический реализм
Некоторые художники с головой бросились в революцию и стали работать в направлении «Агитпроп», то есть «агитационной пропаганды». Тогда появился и достиг расцвета новый жанр изобразительного искусства – плакаты. В этом жанре рисовали В. Маяковский, А. Родченко и Владимир Лебедев. Плакаты того периода были посвящены актуальным вопросам, в частности пропаганде здорового образа жизни, повышения грамотности населения, призыва в Красную армию и так далее.
Картина «Смерть комиссара»
Многие футуристы высмеивали рисование на мольберте. Однако Агитпропу он служил верой и правдой – от произведения Малевича «Красная кавалерия» до «Смерти комиссара» Петрова-Водкина и трагической картины «Инвалиды войны» Юрия Пименова (1903-1977 годы; зал 83). В конце 1920-х годов авангардное движение разделилось на два лагеря. Одни художники считали, что искусство – это чисто духовная деятельность, которая перестаёт жить, как только начинает стараться быть полезной. Другие, напротив, полагали, что художники должны стать мастеровыми, так сказать, техническими работниками, «несущими искусство в массы» для общественной пользы.
В зале 84 представлены картины на такие темы как спорт, труд и коллективизация. Полотна овеяны свежестью и воодушевлением художников, которые старались передать полный надежд дух того времени. Александр Дейнека (1899-1969 годы) изображал сталеваров и ткачей в неистовых тонах и драматических композициях, а позже писал великолепные картины, посвящённые Великой Отечественной войне, как, например, «Сбитый лётчик». Работы Александра Самохвалова (1894-1971) «Военизированный комсомол» и «Метростроевки» полны энергии.
Картина «Фронтовая дорога»
Дебаты между сторонниками «чистого» и «общественно полезного» искусства продолжались вплоть до 1932 года, когда И. Сталин сделал социалистический реализм обязательным. А. Жданов сформулировал принципы этого направления: «партийность, идейность и народность». Однако, оставаясь в пределах единственного официально признанного направления живописи, художники всё же имели некоторую свободу в выборе стиля. Сравните, например, унылую картину Ю. Пименова «Фронтовая дорога» и выдержанный в народном духе портрет писателя Толстого кисти П. Кончаловского. Оба эти произведения находятся в зале 85.
Однако преобладала одобренная Сталиным реалистическая манера, следующая традициям академизма XIX века. Работ такого жанра в Русском музее великое множество. Но они сейчас не в моде. Поэтому их редко выставляют, причём, преимущественно, лишь на временных выставках на первом этаже в корпусе Бенуа. Ведущие представители этого направления – Исаак Бродский (1884-1939 годы; одна из самых известных его работ – «Ленин в Смольном») и Александр Герасимов (1881-1963 годы), автор картины «Сталин на XVI съезде Коммунистической партии».
Русский музей на карте Санкт-Петербурга
